Tantôt voyeur, tantôt enquêteur, témoin ou acteur plus ou moins malgré nous, l’expérience est toujours à réévaluer. Les formes proposées sont autant de mises en abîme du couple, mais aussi du couple danse-théâtre. Autant de manières de faire, de voir et de faire voir. De créer et de vivre ensemble. (Marie Mougeolle, notes sur le processus, janvier 2014)

Et c’est là toute la richesse de l’expérience, car c’est de la friction entre les altérités des disciplines (et, avec elles, tout ce qu’elles déterminent comme savoirs, manières de faire, regards sur le processus de création) que naît l’espace de l’interdisciplinarité: fécond, créateur de formes, de sensations, de fictions. (citation, JEU, #152, p. 64)

Épisode #10 : La chambre comme scène…

Cette chambre là est une scène. Scène de vie, scène de crime, de passion, de heurts en tous genres. Où il se passe des trucs, comme dans la vie. Le lieu délivre ses indices, les personnages aussi. On part d’architectures (de corps ou de dramaturgie), et on re-act. On recrée, en rewind, ce qui a pu nous mener là. Ni danse ni théâtre donc, mais bien des jeux et des situations à créer et à imaginer. Donc à la fois danse et théâtre. On se nourrit du rien ou du pas grand chose, on avance à tâtons, qu’on soit créateur, acteur ou spectateur. Cette chambre là est la plus risquée, ou celle qui nous risque le plus. Ça dépend du point de vue. À la fois trash et léché, à la fois fin et grossier. Dans les zones grises finalement.

Marie Mougeolle, notes sur le processus,
sur la chambre partagée par Emmanuel Schwartz et Peter James.
Chorégraphe et metteure en scène : Frédérick Gravel & Catherine Vidal
Collaborateur : Francis Rossignol
Direction artistique : Katya Montaignac
Direction de production : Vanessa Bousquet
Réalisation vidéo : Peter McCabe / THE GAZETTE

Peter James mis en scène par Frédérick Gravel et Catherine Vidal | Rendez-vous à l’hôtel de La 2e Porte à Gauche à l’Hôtel Le Germain de Montréal | Programmation Hors les murs de l’Agora de la danse | Crédit photo : Claudia Chan Tak

Un article de Marie Mougeolle, auteure invitée durant le processus de collaboration du spectacle 2050 Mansfield : rendez-vous à l’hôtel, est paru dans la revue JEU : Quand danse et théâtre s’éprouvent…

Retrouvez les débuts du couple Gravel/Vidal dans l’épisode #4…

Lire aussi le texte de Jessie Mill : Quand le théâtre rêve de danse…

Pour voir le projet de documentation complet réalisé par Claudia Chan Tak : clchantak.wix.com/2050mansfield

L’article Rendez-vous à l’hôtel | Épisode #10 : S’éprouver l’un l’autre… est apparu en premier sur La 2ᵉ porte à gauche.

Les dispositifs de création imaginés par La 2^e Porte à Gauche, et plus largement les dispositifs propres à la danse contemporaine à Montréal, font rêver les « gens de théâtre ». Vu d’en face, la danse semble faire preuve de plus d’audace, ose des formats et des présentations qui débordent la proposition spectaculaire attendue, fait parler d’elle sur les scènes internationales, se taille une belle place dans les théâtres montréalais les plus branchés (Usine C, La Chapelle)… Pour sa création Croire au mal (2011), Jérémie Niel envisageait par exemple la collaboration avec des danseurs (Karina Champoux et Simon-Xavier Lefebvre) comme un moyen de retrouver une plus grande liberté dans la direction des interprètes et l’appréhension de la scène. Le chorégraphe Frédérick Gravel et l’auteur dramatique Étienne Lepage présentaient en 2011 le fruit d’un premier travail commun, Ainsi parlait (OFFTA), heureuse rencontre artistique qui leur a permis de mesurer la proximité de leurs univers et de donner littéralement corps aux mots.

Mais pourquoi se tourner vers la danse?

Les raisons sont nombreuses et peuvent sans doute se trouver autant du côté d’un théâtre a priori plus traditionnel – un « théâtre de texte » – que dans des pratiques contemporaines polymorphes ou plus « indisciplinées ». Mais il faut dire que les processus de création ouverts, souvent associés au « Divised theater » en anglais, sont de plus en plus nombreux à mettre en rapport des artistes et des interprètes nourris d’expériences hétérogènes (voire des non-professionnels) dans des cadres de création sur mesure ou néanmoins atypiques. Dans ces cas, les modes de présentation et de production se déclinent autrement : étapes de travail rendues publiques (laboratoire, workshop, etc.), diversité des propositions (installation, performative, formes courtes, etc.). La nécessité d’inventer des outils de collaboration adaptés et de bâtir un vocabulaire commun, apte à l’établissement d’un réel dialogue, oblige les créateurs à se tourner vers d’autres modèles que ceux fournis par leurs pairs immédiats.

Des préoccupations communes au théâtre et à la danse

Si elles sont plutôt indépendantes, les communautés du théâtre et de la danse partagent pourtant de nombreuses préoccupations, outre les éternelles causes communes liées au manque de financement, d’infrastructures et à l’absence d’institutions. Par exemple : l’examen des processus de transmission et de mémoire (mémoire des formes, trace, notion de répertoire), la réflexion sur l’accompagnement dramaturgique et la dramaturgie du spectacle; la remise en question des notions de virtuosité, de professionnalisme et d’amateurisme. Deux préoccupations plus esthétiques viennent clore cette liste non exhaustive. Le théâtre ainsi que la danse remettent constamment en cause la représentation – cela ne date pas d’hier – et explorent de ce fait les seuils du réel et de la théâtralité. Autre souci commun : le corps de l’interprète est pris de plus en plus comme un corps subjectif, singulier, un corps pensant et agissant, un corps performé plutôt que performant, à considérer dans sa globalité.

Le fantasme de la collaboration vient de certains manques. Plusieurs auteurs ne rencontrent pas « leur » metteur en scène, et puisque la rencontre n’a pas lieu, ils vont jusqu’à remettre en question l’existence d’une véritable relève en mise en scène. Plusieurs jeunes metteurs en scène s’étonnent de leur côté que les dramaturgies rencontrées sur leur route, malgré la vitalité et le foisonnement de la production, ne leur offrent pas le terrain de jeu attendu ou espéré. D’où l’envie de se tourner vers de nouvelles avenues, de nouveaux collaborateurs, venus d’ailleurs (un ailleurs géographique ou disciplinaire). Autre raison propre au théâtre : notre tradition du jeu de l’acteur – jeu plutôt réaliste, incarné (voire viscéral), d’une grande efficacité – ne comble pas tous les créateurs. La perspective de travailler avec des interprètes plus physiques et moins entraînés à une approche psychologique ou réaliste du jeu, les incite à se tourner vers la danse.

Trois fantasmes pour le théâtre

1)    Le fantasme de la rencontre

Les dispositifs de collaboration créés par La 2^e Porte à Gauche sont exemplaires : Blind Date, colocations créatives, déterritorialisations sous diverses formes. Des formules de mini commissariats se multiplient dans la communauté chorégraphique. Plusieurs grands festivals ont depuis longtemps établi sur cette base des rendez-vous incontournables, tels les fameux « Sujets à vif » orchestrés par le festival d’Avignon et la SACD (Société des auteurs et compositeurs dramatiques) qui proposent à des interprètes et auteurs d’horizons différents de faire un bout de chemin ensemble pour présenter une courte création.

Au festival OFFTA à Montréal, l’initiative des « Mixoff » provoque la collision entre deux univers que tout semble séparer, dans l’espoir que s’établisse un langage original qui transgresse les règles établies ou du moins déborde la question des disciplines. Plus modestement, mais dans un esprit voisin, le CEAD a initié une série de rendez-vous, « Les rencontres hasardeuses », réalisées dans le cadre de notre événement annuel, Dramaturgies en dialogue.

2)    Laboratoire de fantasmes 

Le fantasme est le même partout. Se donner du temps. Les créateurs bataillent fort pour obtenir du temps, de l’espace et les moyens de travailler sans impératifs de production. La machine de production théâtrale est impitoyable! En danse, des lieux comme Circuit-Est et même, à plus petite échelle, le Studio 303, donne l’impression qu’il est possible de prendre le temps, d’être improductif, d’explorer, voire de se former en continu. Le projet de recherche Triptyque, accompagné par Guy Cools depuis 2010 (3 chorégraphes, 3 institutions), est un bel exemple de ses laboratoires dédiés à la création et aux rencontres artistiques. En France, les chorégraphes Boris Charmatz (Bocal, 2005) ou Xavier Leroy (Projet, 2003) ont été à l’origine de grands espaces de liberté. Un lieu comme L’L à Bruxelles (lieu de recherche et d’accompagnement pour la jeune création) a de quoi faire rêver la « relève ».  

Au CEAD, les auteurs peuvent bénéficier d’ateliers (entre 3 et 15 heures), subventionnés par Emploi Québec, pour entendre leur texte lu par des acteurs au cours du processus d’écriture ou à l’issu de celui-ci. Ce précieux exercice de mise à l’épreuve, de réécriture et de confrontation à l’autre est bien souvent un des seuls moments préservés des impératifs de production.

3)    Le fantasme du troisième œil

Le dramaturge (au sens de conseiller artistique) entre en jeu de plus en plus régulièrement dans la création théâtrale, même s’il est loin d’être acquis à l’équipe de production classique. Figure d’érudition, le dramaturge est perçu comme un œil extérieur, associé à l’analyse du texte, du sous-texte et du contexte des œuvres dramatiques. C’est du moins la perception dominante qui perdure au Québec, héritage des traditions françaises et allemandes.

En danse, les dramaturges* ont développé une pratique qui prend en compte la simple présence d’une tierce personne en salle de répétition. Témoin, œil extérieur, il est aussi une sensibilité pensante, « miroir actif » du chorégraphe. Attentif à la structure dynamique de l’œuvre, à son rapport avec le public, le dramaturge joue ainsi le rôle de premier spectateur.

Mais il existe aussi en danse une figure absente du processus théâtral (qui n’est pas tout à fait équivalant à l’assistant ou au régisseur) : le répétiteur ou la répétitrice. Son statut privilégié, trait d’union entre les danseurs et le chorégraphe, et le rôle de finition et de raffinement du mouvement qu’il peut jouer, en fait un collaborateur enviable.

Texte de Jessie Mill, issu de la table ronde proposée par La 2^e Porte à Gauche dans le cadre des journées d’études de la Société canadienne des études en danse « COLLABORATIONS : INTERSECTIONS, NÉGOCIATIONS, MÉDIATIONS DANS LES MONDES DE DANSE », Festival Transamériques 2012

(*) Cf. sur la question du dramaturge en danse le numéro 155 de Canadian Theater Review intitulé Dance and Movement Dramaturgy dans lequel Katya Montaignac a notamment écrit un texte sur Les paradoxes du dramaturge de danse

Lire aussi : Pratiques collaboratives 1/4 par Rachel Billet
Le fantasme de la collaboration 2/4 par Katya Montaignac
Entre fusion et frictions… 3/4 par Élodie Lombardo

L’article Quand le théâtre rêve de danse… par JESSIE MILL | Collaboration 4/4 est apparu en premier sur La 2ᵉ porte à gauche.

J’ai particulièrement l’habitude de travailler en collaboration étant donné que j’ai créé la compagnie des sœurs Schmutt avec ma sœur jumelle Séverine Lombardo avec qui je collabore de manière « naturelle ». Dans notre cas, le partage fait partie de nous. Dans notre démarche, nous travaillons d’ailleurs beaucoup en collaboration avec des musiciens, avec des danseurs mexicains, avec des gens du cirque, comme pour tenter de recréer, à chaque fois, une cellule « familiale » qui est pour moi identitaire. Je recherche à ce titre constamment des échanges fusionnels.

La collaboration fusionnelle des sœurs Schmutt : Élodie et Séverine Lombardo dans 9 1/2 à part. (2009) | Crédit photo : Katya Montaignac

Zones de frictions

Les projets de La 2^e Porte à Gauche nous permettent d’appréhender des contextes de collaboration que nous n’avons pas choisis ; ils nous offrent la possibilité de sortir de nos patterns et d’envisager la collaboration « autrement ». La 2^e Porte à Gauche imagine ainsi des collaborations non évidentes : réunir plusieurs chorégraphes dans un appartement, rassembler des chorégraphes de différentes générations pour composer un spectacle à 4 mains, convier des danseurs d’âge mûr à travailler avec des jeunes chorégraphes… Quitte parfois à brusquer certaines rencontres, La 2^e Porte à Gauche suscite des démarches inédites et propose des zones de friction dans le but d’interroger notre rapport à la danse et au corps.

9 1/2 à part. (2009) : une colocation artistique | Frédérick Gravel, Katya Montaignac, Nicolas Cantin, Séverine Lombardo, Marie Béland, Anne Thériault, Martin Lemieux (L E M M), Maya Ostrofsky, Élodie Lombardo et Amélie Bédard-Gagnon | Crédit photo : Élaine Phaneuf

Pour 7½ à part., La 2^e Porte à Gauche a demandé aux chorégraphes de créer non seulement une proposition en lien avec l’espace domestique de l’appartement, mais également de présenter une relation particulière avec le spectateur. Le résultat fut que chaque chorégraphe a investi une pièce de l’appartement pour proposer son œuvre : ce qui a permis à Emmanuel Jouthe de créer son projet Écoute pour voir et à nous, les sœurs Schmutt, de développer la recherche de Séverine en lien avec la lumière. Cependant, au terme de cet évènement, tous les chorégraphes ont regretté d’avoir chacun créé une œuvre isolée dans une pièce de l’appartement plutôt que de collaborer ensemble à une seule œuvre. C’est dans cette perspective que La 2^e Porte à Gauche a décidé d’orienter sa seconde expérience en appartement autour d’un paramètre supplémentaire : la collaboration. Chaque créateur devait ainsi développer une idée de recherche interprétée par le groupe d’artistes invités, chacun interprétant pour les autres (paramètre déjà expérimenté dans le Blind Date). 9½ à part. s’est révélé un laboratoire de création, véritable work in progress, dont les différents tableaux ont évolué chaque soir au fur et à mesure de l’expérimentation « live » avec le public.

Texte d’Élodie Lombardo, issu de la table ronde proposée par La 2^e Porte à Gauche dans le cadre des journées d’études de la Société canadienne des études en danse « COLLABORATIONS : INTERSECTIONS, NÉGOCIATIONS, MÉDIATIONS DANS LES MONDES DE DANSE », Festival Transamériques 2012

(à suivre : La collaboration vue par Jessie Mill…)

Lire aussi : Pratiques collaboratives 1/4 par Rachel Billet
Le fantasme de la collaboration 2/4 par Katya Montaignac

L’article Entre fusion et frictions… par ÉLODIE LOMBARDO | Collaboration 3/4 est apparu en premier sur La 2ᵉ porte à gauche.

Est-ce que les créateurs en danse collaborent plus qu’avant ? Ou autrement ?

1. La collaboration comme nouveau paradigme social

The Art (prononcez dehors) (2006) | Julie Châteauvert, Katya Montaignac, Andrew Tay, Dominique Bouchard, Johanna Bienaise, Stéphanie Bernard | Crédit photo : La 2e Porte à Gauche

La collaboration fait écho à une nouvelle réalité sociale du fait que nous baignons désormais quotidiennement dans ce nouveau paradigme de l’échange et du partage : colocation, coopérative, copropriété, auto-partage, regroupements, collectifs ou consortiums… Nos vies sont de plus en plus régulées et organisées autour de cette notion de partage des ressources et de mises en commun. Sans parler des réseaux sociaux, des blogs, twitter et autres plateformes d’échanges virtuels… Cette nouvelle réalité devient si généralisée qu’elle induit des changements de politiques culturelles. En art, le système actuel étant conçu avant tout sur un modèle de production basé sur la figure de l’auteur, il s’adapte petit à petit et de plus en plus à ceux qui choisissent de travailler à plusieurs ou encore sur une base transdisciplinaire.
La collaboration devient un nouveau modèle organisationnel.

1.1. La collaboration comme nouveau mythe…

7 1/2 à part. (2008) | Amélie Bédard-Gagnon, Marie Béland, Frédérick Gravel et Katya Montaignac | Crédit photo : Élaine Phaneuf

Les possibilités d’échange sont désormais facilitées et les configurations beaucoup plus souples : elles peuvent ainsi changer très rapidement. Paradoxalement à cette nouvelle réalité, le « partage » et la « collaboration » peuvent être un leurre et donner lieu à une absence d’échange réel : parce qu’à distance ou parce que virtuelle. Après le mythe de l’artiste démiurge, faisons-nous face au mythe de la collaboration et du partage ? Myriam Van Imschoot parle de la création des réseaux qui forme « une nouvelle communauté sociale et internationale qui s’enroule sur elle-même comme un serpent se mordant la queue » (Van Imschoot, 2003). Pour elle, la collaboration peut ainsi masquer « un appétit excessif de contacts toujours plus nombreux et diversifiés, si difficile à satisfaire qu’il ne fait qu’alimenter une fuite en avant ».

Pris dans de nouvelles formes de communications basées sur le contact virtuel et les échanges à distances, les artistes s’inventent désormais de « nouveaux tribalismes »* à travers les résidences, spectacles marathons, workshops publics et autres événements invitant de nombreux intervenants, durant lesquels des groupes d’artistes sont invités à travailler ensemble, à manger et à cohabiter dans un même espace. Ces espaces de travail sont un moyen de « redécouvrir l’affect social »* et de recréer un contact « intime »* (entre artistes mais aussi avec le public). Ce fut le cas des expériences de La 2^e Porte à Gauche en appartement qui ont donné lieu à une colocation artistique.

1.2. L’idéal de la collaboration

L’artiste aspire à la collaboration comme à un idéal : dans l’absolu, la collaboration permet de se renouveler, se ressourcer, échanger sur son travail, recueillir des feedbacks de la part de l’autre, aller ailleurs grâce à la présence de l’autre, sortir de ses patterns, etc. Mais elle se fait parfois au prix – et ce n’est pas négatif – de certaines remises en question. La collaboration place en effet inévitablement l’artiste en situation de crise car il doit communiquer et négocier avec quelqu’un d’autre : il doit verbaliser à l’autre des intentions qui ne sont évidentes que pour lui-même. La collaboration relève donc de l’utopie : on l’imagine toujours harmonieuse et rassurante, alors qu’elle présente un espace de négociation composé de confrontations, de conflits d’intérêt, de rapports de pouvoir et d’équilibres fluctuants. Le « fantasme » de la collaboration surgit avant tout d’un désir chez l’artiste, mais ce désir ne débouche pas forcément sur une partie de plaisir ! Ce « fantasme » agit comme un stimulant, mais sa concrétisation implique nécessairement un travail de deuil, d’ajustements, de réévaluation et de remises en question essentiels dans le développement d’une démarche artistique. Ces étapes sont nécessaires au processus de création et c’est tout l’enjeu (et l’intérêt) de la collaboration

La collaboration comme paramètre de création : 9 1/2 à part. (2009) : douze créateurs en colocation artistique | Frédérick Gravel, Amélie Bédard-Gagnon, Andrew Turner, Martin Lemieux (L E M M), Séverine et Élodie Lombardo, Nicolas Cantin, Emmanuel Jouthe, Marie Béland, Anne Thériault, Katya Montaignac et Maya Ostrofsky | Crédit photo : Élaine Phaneuf

2. La collaboration comme paramètre de création

Dans ses projets de collaboration, La 2^e Porte à Gauche propose aux chorégraphes invités des paramètres de création. Par exemple, pour le projet Blind Date :
– trouver un moyen d’impliquer le public dans une proposition chorégraphique ;
– établir une relation entre le dedans (la scène) et le dehors (le hors scène).

Chaque artiste était donc responsable de la conception d’un tableau. Le tout étant supervisé par un maître de jeu qui établissait le canevas de la soirée à partir des différentes propositions et animait les différents niveaux de participation du public.

2.1. La collaboration avec le spectateur

7 1/2 à part. (2008) | Crédit photo : Élaine Phaneuf

Questionner le rapport au public en danse contemporaine, c’est le mandat de La 2^e Porte à Gauche. Ce paramètre a initié nos premiers projets, notamment in situ (Bal Moderne depuis 2004, Projet Vitrines en 2005, The Art (prononcez dehors) en 2006 et 2008, Blind date en 2007, 7 1/2 à part. en 2008 et 9 1/2 à part. en 2009). Il s’agit avant tout de repenser la relation au spectateur de danse. Pourquoi ne pas le faire participer à la démarche artistique ? Comment « sensibiliser » le public aux réflexions du chorégraphe ? La 2^e Porte à Gauche est partie de ce postulat de base (et pari) : aller au devant du public afin de lui présenter différentes démarches artistiques. La collaboration avec le spectateur est ainsi devenu notre moteur de création et de réflexion.

2.2. La collaboration comme processus

Une dynamique d’échanges : L E M M, Manuel Roque, Lucie Vigneault, Marie Béland et Frédérick Gravel | Réunion artistique pour 4quART (2011) | Crédit photo : Katya Montaignac (archive inédite)

La 2^e Porte à Gauche produit des événements qui interrogent la danse et ses formats de création. Ce qui nous intéresse avant tout, ce sont les processus mis en place. Les contraintes de création imposées aux artistes leur offrent, paradoxalement, un grand espace de liberté. Nos projets se présentent à ce titre davantage comme une dynamique d’échanges et d’expérimentations plutôt que des produits spectaculaires finis et léchés. Des processus de recherche que nous entamons éclosent certains fruits ; en effet, la finalité du « produit » vient souvent de l’approfondissement d’une démarche individuelle. Régulièrement, les artistes invités par La 2^e Porte à Gauche continuent par la suite la démarche amorcée au sein de nos projets. À la fois laboratoire de recherche chorégraphique, plateforme de réflexion sur notre propre discipline et espace d’échanges, La 2^e Porte à Gauche agit comme un stimulateur. Ces zones de friction entre pairs nous semblent nécessaires à repenser notre art car, au contact de l’autre, l’artiste affine ses choix et clarifie ses intentions.

Texte de Katya Montaignac, issu de la table ronde proposée par La 2^e Porte à Gauche dans le cadre des journées d’études de la Société canadienne des études en danse « COLLABORATIONS : INTERSECTIONS, NÉGOCIATIONS, MÉDIATIONS DANS LES MONDES DE DANSE », Festival Transamériques 2012

(*) Van Imschoot M., 2003, « Lettres sur la collaboration », in Être ensemble : Figures de la communauté en danse depuis le XXe siècle, Centre national de la danse.

(à suivre : La collaboration vue par Élodie Lombardo, une des Soeurs Schmutt…)

Lire aussi : Pratiques collaboratives 1/4 par Rachel Billet
Le fantasme de la participation du public par Katya Montaignac (JEU #147, 2013)

L’article Le fantasme de la collaboration par KATYA MONTAIGNAC | 2/4 est apparu en premier sur La 2ᵉ porte à gauche.

La 2e Porte à Gauche : une direction artistique partagée | 71/2 à part. (2008) : Katya Montaignac, Frédérick Gravel, Amélie Bédard-Gagnon et Marie Béland | Crédit photo : Élaine Phaneuf

1. La collaboration artistique : composante de l’écosystème des mondes de l’art

Les interactions au sein des réseaux d’artistes font émerger de nouvelles stratégies tant au niveau des initiatives de création, que des modes de fonctionnement (Becker, 1988). La somme des actions menées par les différents acteurs du milieu (artistes, travailleurs culturels, médias, bailleurs de fonds, politiques, public…) redéfinit en permanence la notion même d’œuvre chorégraphique et ses conditions de présentation. En quoi les initiatives artistiques élaborées dans une démarche collaborative peuvent-elles bousculer le rapport à la création ? La collaboration permet-elle un renouvellement du schéma « classique » de la création à chorégraphe unique ?

Au sein des projets de La 2^e Porte à Gauche, les artistes-collaborateurs développent leurs singularités esthétiques comme une somme d’individualités et d’intersubjectivités qui influence les prises de décision de la direction artistique. Dans ce contexte, ces cocréateurs approfondissent leurs procédés créatifs, verbalisent leurs intentions et clarifient leurs visions à travers les procédés que La 2^e Porte à Gauche initie (mise en commun, partage des données et communication en réseau). On peut parler de « paramètres de création singuliers » propres à chaque projet. Du coté des créateurs, la collaboration nourrit les pratiques artistiques individuelles de chacun, tel un espace de ressourcement et de stimulation.

9 1/2 à part. (2009) : une colocation artistique | Élodie et Séverine Lombardo, Katya Montaignac, Martin Lemieux (L E M M), Anne Thériault, Marie Béland, Frédérick Gravel et Maya Ostrofsky | Crédit photo : Amélie Bédard-Gagnon

2. Méthodologies de la collaboration

La notion de collaboration est historique, omniprésente et se décline sous de nombreuses formes. Elle touche autant les frontières esthétiques et disciplinaires que la manière dont les différentes composantes du milieu interagissent (de la création à la diffusion, en passant par la production). L’expérience de La 2^e Porte à Gauche prouve qu’elle est un défi constant et l’objet de nombreux fantasmes artistiques.

Alain Francoeur et Frédérick Gravel en répétition pour 4quART (2011) | Crédit photo : Katya Montaignac

Il n’y a pas de recette propre à la collaboration, mais elle répond à un certain nombre de paramètres et de contraintes déterminés par une direction artistique. La collaboration s’avère ainsi un véritable terrain de jeu. Elle demande constamment des réajustements. Depuis 2004, nos modes de collaboration se sont déclinés selon différents projets : collaboration entre toute l’équipe artistique et le public (Blind date chorégraphique, 2007), colocation artistique de plusieurs semaines (7½ à part. et 9½ à part., 2008 et 2009), spectacles à créateurs multiples (4quART, 2011) et mise en jeu de la position de spectateur (Danse à 10, 2011).

Enfin, l’entité même de La 2^e Porte à Gauche part d’emblée d’un consensus à cinq voix. Assumant une direction artistique partagée entre ses cinq membres, l’équipe de La 2^e Porte à Gauche confie cependant à un de ses membres la direction artistique d’un projet, ainsi que sa direction de production. Elle propose à ce titre un modèle unique de création, de gestion et d’administration en se positionnant comme une plateforme, à l’intersection des mondes de la création et de la production en danse. L’intervention de la direction artistique d’un projet s’ajoute alors comme une énième entité aux potentiels créatifs de chacun. Au niveau esthétique, la recherche chorégraphique au sein de La 2^e Porte à Gauche exige à ses collaborateurs de créer avec une donnée variable : celle de la relation au public. Cette interactivité est multiple et varie pour chaque représentation, ce qui nécessite la conception de dispositifs chorégraphiques ouverts et évolutifs.

2050 Mansfield : rendez-vous à l’hôtel (2014) | Olivier Choinière et Marie Béland | Crédit photo : Claudia Chan Tak

3. Entre la collaboration et la commande artistique

La frontière entre la collaboration et la commande artistique limite les déclinaisons de ce mode de création et de production. Il contamine (et est contaminé) par des « zones d’interférence », qu’il s’agisse de production, de financement ou de promotion. « Les frontières [entre ces mondes] se brouillent ou s’interpénètrent, là où il est tout à fait légitime de se demander si précisément les notions de frontière et de définition sont encore pertinentes » (Millet, 2001). Par exemple, dans le projet de Danse à 10, la collaboration artistique s’effectue à travers la « mise en commun » des propositions, au niveau de la « mise en scène » de l’événement. En revanche, au niveau des propositions chorégraphiques, il s’agit d’une commande effectuée à différents créateurs, incluant un certain nombre de contraintes (temps, espace, sujet, tarif de la danse, etc.).

On observe une forte et « incessante interchangeabilité des rôles et des objectifs » entre les acteurs ; une perméabilité entre les disciplines, les modes de présentations, etc. L’interactivité entre la création et la production résulte de ces paramètres de collaboration qui s’inscrivent à la croisée des contraintes de production et des paramètres de jeu. Les artistes multiplient ainsi les facteurs déterminants de la création, négocient et déplacent les règles.

Texte de Rachel Billet, issu de la table ronde proposée par La 2^e Porte à Gauche dans le cadre des journées d’études de la Société canadienne des études en danse « COLLABORATIONS : INTERSECTIONS, NÉGOCIATIONS, MÉDIATIONS DANS LES MONDES DE DANSE », Festival Transamériques 2012

(à suivre : La collaboration vue par Katya Montaignac…)

Lire aussi : Pourquoi La 2e Porte à Gauche ? Conversation entre membres
Collaborations vidéos avec L E M M

L’article Pratiques collaboratives par RACHEL BILLET | 1/4 est apparu en premier sur La 2ᵉ porte à gauche.

L E M M était l’un des collaborateurs artistiques du spectacle 4quART conçu en 2011 en coproduction avec Danse-Cité. Pour l’occasion, il a conçu une installation vidéo mobile composée d’un écran-accordéon à roulette, de deux caméras et deux vidéo-projecteurs manipulés tout au long du spectacle par les 4 danseurs. Il a également construit pour un tableau de Catherine Tardif intitulé « La Foire » une série de 3 « totems » à partir de téléviseurs empilés, chacun relié à une mini-caméra et à une cassette mini-DV : les projections alternaient ainsi entre images live et séquences de spectateurs pré-enregistrés chaque soir par les performers avant l’entrée en salle. Enfin, il a conçu un programme vidéo nous permettant de projeter pendant le spectacle un « cadavre exquis chorégraphique » réalisé par les spectateurs avant de rentrer en salle :

4quART (extraits)
Musique : Philippe Brault

Pendant la période de recherche, voici l’une de ses créations restée inédite :

Ma recette de caméra from L E M M on Vimeo.

L E M M a également été un des artistes invités dans le cadre du projet 9 1/2 à part. présenté dans un loft du quartier St-Henri par Tangente en 2009. Sa contribution a notamment permis la création d’une séquence vidéo intimiste en lien avec le public :

Dans ce 9 1/2 à partager, L E M M a aussi réalisé une série de clips in situ en collaboration avec chacun des colocataires artistiques du projet. Ces clips étaient projetés sur le mur du salon durant le spectacle dans l’appartement :

Enfin, voici deux explorations qu’il avait entamé avec Maya Ostrofsky et qui ont été par la suite collectivement développées dans le spectacle :
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=CnjjMtjxjJ0&w=420&h=315]

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=sG3Yi3HocjI&w=420&h=315]

En 2007, L E M M nous accompagnait déjà dans l’aventure du Blind Date : un rendez-vous chorégraphique présenté à la Cinquième Salle de la Place des arts à l’occasion de la Nuit Blanche de Montréal :

Pour suivre le travail de L E M M : http://capsulesvideo.blogspot.ca

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